Nel lontano 1839 accadde un importante evento che sconvolse il mondo dell’arte e della scienza. In quella data storica, il procedimento per ottenere immagini permanenti chiamato “dagherrotipia” venne presentato all’Accademia delle Scienze e all’Accademia delle Belle Arti. Questo nuovo mezzo tecnico, creato da Louis Daguerre, prometteva di catturare il mondo reale in modi mai visti prima. Ma cosa rendeva questa scoperta così straordinaria? Come poteva influenzare le arti visive?

Immagina per un attimo quel giorno, con una folla di persone riunite all’aperto, curiose di conoscere i dettagli di questa nuova tecnologia. Arago, scienziato francese e protagonista dell’evento, raccontò la storia e la tecnica dietro al dagherrotipo. Delaroche espresse la sua ammirazione per i minuziosi dettagli e la nitidezza delle immagini ottenute con la dagherrotipia. Affermò che gli artisti non dovevano considerare la fotografia come una minaccia, ma come uno strumento di studio e analisi delle vedute.

Possiamo immaginare quanto fosse affascinante assistere a questa presentazione, sentire le parole di Delaroche che dichiarava: “La mirabile scoperta di monsieur Daguerre ha reso un servizio immenso alle arti”. Ma cosa significava tutto ciò per le persone comuni e per gli artisti dell’epoca?

Il dagherrotipo era una forma primitiva di fotografia che utilizzava una piastra di rame ricoperta da uno strato di argento sensibile alla luce. Questa piastra veniva esposta alla luce per un periodo di tempo più o meno lungo, a seconda della luminosità dell’ambiente, per catturare l’immagine desiderata. Successivamente, la piastra veniva sviluppata con vapori di mercurio per rendere l’immagine visibile. Il risultato era un’immagine altamente dettagliata e nitida, anche se in bianco e nero.

Questa scoperta mise in moto un cambiamento epocale nelle arti visive. Gli artisti non erano più costretti a dipingere accuratamente ogni dettaglio di una scena o a dipendere dalla loro memoria per ritrarre volti e paesaggi. Ora potevano utilizzare la dagherrotipo come uno strumento per catturare fedelmente la realtà e poi basarsi su queste immagini per creare opere d’arte. Questo ha permesso loro di concentrarsi su altri aspetti dell’arte, come l’espressione dei sentimenti o la sperimentazione con nuove tecniche e stili.

Tuttavia, non tutto era rose e fiori. Mentre la dagherrotipia apriva nuove possibilità artistiche, nello stesso tempo metteva in discussione il ruolo tradizionale degli artisti e dei disegnatori.

Se le immagini potevano essere ottenute in modo così accurato e dettagliato attraverso la fotografia, allora quale era il senso di sprecare ore preziose per creare un’opera d’arte che sembrava visivamente simile a una fotografia? Questo dilemma non ha una risposta facile, ed è ancora uno dei dibattiti aperti sulla fotografia e l’arte.

L’intelligenza artificiale e le arti visive oggi

Così come l’introduzione della dagherrotipia ha rivoluzionato il mondo dell’arte nel XIX secolo, anche l’ingresso dell’intelligenza artificiale (AI) nella società moderna e nel mondo dell’arte sta portando cambiamenti senza precedenti.

Esistono sia timori che opportunità associate a questa nuova tecnologia.

Innanzitutto, i timori riguardano l’idea che l’IA possa sostituire gli artisti umani, rendendo obsoleta la loro creatività e il loro contributo alla società. Alcuni temono che con l’IA diventi più facile produrre opere d’arte senza la necessità di un artista umano, poiché l’algoritmo può analizzare e riflettere stili e tecniche esistenti per creare nuove opere.

Tuttavia, l’IA può essere utilizzata come uno strumento collaborativo, per ampliare le capacità creative degli artisti e spingerli oltre i limiti delle loro capacità.

Grazie all’IA, gli artisti possono sfruttare algoritmi avanzati per esplorare nuovi stili, creare opere d’arte generative o trasformative, e lavorare con grandi quantità di dati per produrre visualizzazioni e rappresentazioni complesse. Questo salto di qualità offre opportunità per l’innovazione e la sperimentazione, consentendo agli artisti di esplorare nuovi territori artisticamente. Un esempio pratico è l’utilizzo dell’IA nella pittura. Con l’IA, gli artisti possono adattare le loro tecniche e stili attraverso il riconoscimento delle immagini e la generazione automatica di pennellate e colori. Ciò consente loro di sperimentare e produrre opere d’arte in modi che non erano possibili prima.

La domanda su quale sarà il ruolo degli artisti umani nell’era dell’IA rimane aperta. Come gli artisti possono sfruttare appieno le opportunità che l’IA offre senza perdere la loro individualità e il loro contributo unico? Come possiamo bilanciare l’uso dell’IA con una visione personale e creativa?

Come cercarono di mantenere intatto il loro valore gli artisti dell’ottocento?

Dopo l’introduzione della fotografia nel XIX secolo, gli artisti affrontarono delle importanti scelte riguardo al loro lavoro e alla loro pratica artistica.

La fotografia aveva la capacità di catturare immagini con una precisione e una fedeltà senza precedenti, mettendo in discussione il ruolo dell’artista come unico interprete della realtà.

Alcuni artisti, come i pittori realisti, furono affascinati dalla capacità della fotografia di riprodurre dettagli e texture con grande precisione. Si ispirarono al realismo fotografico e cercarono di rappresentare la realtà nella loro opera con una precisione quasi fotografica. Ad esempio, artisti come Gustave Courbet e Jean-François Millet furono influenzati dalla fotografia nell’approccio alla rappresentazione della vita rurale e dei lavoratori.

Allo stesso tempo, ci furono anche artisti che si preoccuparono della possibile riduzione del loro ruolo e della loro unicità a causa della fotografia. Ad esempio, gli impressionisti cercarono di andare oltre la precisione tecnica della fotografia, concentrandosi invece sulla rappresentazione delle sensazioni visive immediate e delle sfumature di luce e colore che la fotografia, all’epoca, non era in grado di catturare. Gli artisti come Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, e Edgar Degas sperimentarono con pennellate rapide e colori vibranti per cogliere l’effetto fugace della luce e l’atmosfera di una scena.

Ci furono anche artisti che abbracciarono la fotografia come uno strumento di ispirazione e di documentazione. Ad esempio, i pittori paesaggisti poterono utilizzare la fotografia come riferimento visivo per esplorare nuovi aspetti di luce, o per cogliere dettagli di forme e strutture che potessero sfuggire alla memoria o all’attenzione umana. Questo ha permesso loro di perfezionare le loro opere e di creare paesaggi ancora più accurati e dettagliati.

Inoltre, alcuni artisti si sono appropriati della fotografia e l’hanno incorporata direttamente nelle loro opere d’arte. Ad esempio, l’artista dadaista e surrealista Man Ray sperimentò con le tecniche fotografiche, combinando fotografia e arte visiva per creare immagini che sfidavano la realtà e il senso di percezione. Il surrealismo stesso, come movimento artistico, fu influenzato in parte dai concetti del sogno e dell’inconscio, che furono studiati anche attraverso le immagini fotografiche.

Creare opere d’arte di valore ai tempi dell’AI

Gli artisti possono utilizzare algoritmi di apprendimento automatico per creare opere d’arte interattive, che coinvolgono attivamente lo spettatore, o esplorare tecniche di riconoscimento delle immagini per creare opere che rispondono in tempo reale all’ambiente circostante. Queste nuove modalità espressive possono permettere agli artisti di distinguersi e di offrire esperienze uniche al pubblico.

l’AI offre agli artisti l’opportunità di collaborare con esperti di altre discipline, come scienziati dei dati o ingegneri informatici, per creare opere d’arte ibride o multidisciplinari.

L’obiettivo principale delle opere d’arte ibride è quello di rompere le barriere tra i diversi campi artistici e di sfruttare le potenzialità delle nuove tecnologie per ampliare l’esperienza artistica. Questo può essere raggiunto attraverso l’integrazione di diverse discipline artistiche, come la pittura, la fotografia, la musica, la danza, la letteratura, la performance e l’interattività. L’uso di tecnologie emergenti come la realtà virtuale (VR), la realtà aumentata (AR), l’intelligenza artificiale (AI) e l’analisi dei dati può ulteriormente arricchire l’esperienza dell’opera d’arte.

Un esempio di opera d’arte ibrida potrebbe essere rappresentato da una videoinstallazione che combina elementi visivi, musicali e interattivi. L’artista potrebbe creare un ambiente virtuale in cui il pubblico può esplorare e interagire con gli elementi attraverso gesti o movimenti. La musica potrebbe essere composta in modo dinamico, adattandosi alle azioni del pubblico o alle scelte che viene invitato a fare. In questo modo, l’opera d’arte diventa un’esperienza coinvolgente e multisensoriale, che va oltre la semplice fruizione passiva.

Immagina di entrare in una sala piena di specchi, con un grande schermo al centro. Mentre ti avvicini allo schermo, noti che l’immagine riflessa dei tuoi movimenti viene ripresa e proiettata sullo schermo. Ma non è solo una riproduzione esatta del tuo corpo, è qualcosa di più.

In questa installazione, un algoritmo di apprendimento automatico analizza in tempo reale i movimenti e le caratteristiche delle persone presenti nella stanza e, a partire da questi dati, crea un’immagine astratta unica. Ad esempio, potrebbero essere generati vari elementi di colore, forma e movimento che si combinano per creare una composizione visiva unica, che risponde al modo in cui i partecipanti si muovono e interagiscono con l’installazione.

Questo tipo di opera d’arte interattiva utilizza l’intelligenza artificiale per creare un’esperienza coinvolgente e partecipativa. Ogni spettatore diventa un co-creatore dell’opera, in quanto i suoi movimenti e azioni influenzano direttamente il risultato visivo che viene proiettato sullo schermo.

Un altro esempio riguarda l’utilizzo delle tecniche di riconoscimento delle immagini per creare opere d’arte che rispondono in tempo reale all’ambiente circostante.

Ad esempio, immagina una installazione luminosa in una piazza pubblica. Sulla facciata di un palazzo vengono proiettate immagini astratte ed evocative, che reagiscono ai cambiamenti nell’ambiente circostante.

In questo esempio, una telecamera posizionata sulla facciata del palazzo utilizza l’AI per analizzare continuamente l’ambiente e riconoscere elementi specifici, come i movimenti delle persone, le variazioni di luce o gli oggetti in movimento. Sulla base di queste informazioni, una serie di algoritmi genera immagini visive che si modificano e si adattano continuamente all’ambiente. Ad esempio, se una persona passa davanti alla telecamera, l’installazione potrebbe reagire proiettando forme e colori che seguono il movimento.